El Ataque de la Montaña de Mierda: "Monsturd" (2003)

“Cuando el asesino en serie fugado Jack Schmitt muere en extrañas circunstancias en la planta de tratamiento del sistema metropolitano de alcantarillas, un profundo y oscuro problema se cierne sobre la ciudad. Un horripilante accidente en un laboratorio de estudios genéticos cercano conduce a la resurrección del asesino sediento de sangre y pronto, usando el alcantarillado como su mazmorra subterránea, Schmitt aplica su odiosa venganza sobre los atemorizados ciudadanos.

Este es el trhiller que hace por los lavabos lo mismo que “Psicosis” hizo por las duchas. Acércate si te atreves. Que no te cojan con los pantalones bajados!”


Que quede claro que esta es la sinopsis de los propios creadores. Esta es la mía:

“Monsturd” trata de un tío que no parece un asesino fugado, que muere deshecho en un estanque en el que han vertido un experimento genético. Así se convierte en una montaña de mierda con brazos que sale de los lavabos y mata a la gente escupiendo excrementos que acaban por deshacer a las víctimas. Un grupo de imbéciles vestidos de policias deberán apresurarse por acabar con la amenaza, ya que se avecina un festival del chili, y no podrán mantener a los pobres ciudadanos lejos de las tazas de water demasiado tiempo...

Atractivo, ¿no? Pues aquí tienen un par de diálogos de muestra:

Policia 1 (dirigiéndose a una niña a la que la cosa acaba de matar al padre): ¿y a dónde fue la caca cuando se llevó a tu padre?
Niña: Volvió a irse por la taza, ¡idiota!
Dibujante de la policía: ¿Y se parecía a algo como esto?

Niña (sale corriendo despavorida): IIIIIIIIHHHHH!!!!!
Policia 1: ¡Dios!, vas a ahuyentar a todos los testigos...
Policia 2: ¿Qué piensas?
Policía 1: Es horrible. Las cosas se están poniendo realmente extrañas estos últimos días
Policía 2: Sí, pero... ¿cómo puede un truño matar a álguien?
Policía 1: No lo sé, Rick, es una pregunta bastante extraña...


otro más:

Monstru(ñ)o: ¿Dios?
Ciéntífico Loco: Así es, yo soy tu creador.
M: ¿Creador?
CF: Fuiste diseñado en un laboratorio.
M: ¡Yo soy un monstruo!
CF: No, eres hermoso.
M: Yo soy una mierda. Huelo a mierda. Me siento como una mierda. Tú has hecho de mí una abominación.
CF: Atrás, necesitas mi ayuda para sobrevivir [...] de las moscas.


¿No es delicioso?
Y si a eso le juntamos un atajo de actores pésimos, una banda sonora digna de una película pornográfica, unos efectos del monstruo bastante tristes,

unos inacabables y repetitivos chistes escatológicos (“¡vamos a cazar a ese pedazo de mierda!”, “¡Hagamos que se cague patas abajo!”), parecería que estoy hablando de una película horrible... pues es cierto, no lo puedo ocultar!

Y además, sus creadores se atreven a rodar una secuela zombie llamada “RetarDead” (imaginen...) Estos tipos de 4321Films no tienen ningún atisbo de vergüenza.

Aunque San John Waters no anda muy equivocado cuando dice que de todo acto cinematográfico se puede extraer algo sublime... El “chaleco antimierda” (unos pañales puestos de peto) y la reacción de los polis ante el primer muerto (ríanse de los Farrelli), hacen de esta infumable cinta algo digno de ser visto... por lo menos una vez.

NOTA: este texto se lo debo a un Lobo que conozco, y por supuesto al puto enano de los cojones de delante del Casablanca Kaplan...

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Tokyo Zonbi!!!!

¿Puede una bizarra película protagonizada por Tadanobu Asano con el pelo a lo afro, rodeado de cientos de muertos vivientes, zombies vampiros y zombies luchadores de catch, con secuencias delirantemente gore, y con ese típico humor absurdo japonés que tan buenos ratos nos ha hecho pasar antes, ser aburrida?

Si me hubieran hecho esta pregunta hace tiempo hubiera dicho que era imposible, que seguramente sería una de las películas del año…
Pero me temo que "Tokyo Zonbi" no lo es.

Es más, a parte de algunos hallazgos argumentales divertidísimos en la primera media hora de película, la cinta resulta una tediosa sucesión de escenas absurdas, en una mezcla de distintas tradiciones humorísticas y terroríficas que difícilmente encajan entre sí, llevadas a cabo en un ritmo tan lento y calmado que consigue momentos de auténtico sopor. Pero…

El delirio empieza con el argumento. Fujio (un callado japonés bastante cortito, oculto bajo una enorme mata de pelo a lo afro) pasa sus horas de trabajo entrenando en las artes marciales con su compañero y maestro Mitsuo (de brillante calva, contrapunto perfecto para formar la pareja cómica ideal), un "experto" en Jiu-Jitsu. Pero un día el jefe les engancha haciendo el tonto y acaba apalizando al maestro. Fujio, novel en la lucha y torpe en lo cotidiano, acaba matando al jefe de un golpe de extintor.

(Imaginen todo lo ridícula que puedan esta escena, y acertarán)

Para deshacerse del cadáver, hacen lo que hace todo el mundo que tiene cadáveres de los que deshacerse en ese multicolor Tokyo futuro: echarlo a esa gigante montaña de basura que ha nacido a las afueras de la megalópolis (conocida habitualmente como "Fuji Negro"). Allí, entre mucha otra gente que entierra a gente, Fujio reconoce a un antiguo profesor que está enterrando a un muchachito al que muy probablemente ha violado. Esto provoca un nuevo arranque de ira de nuestro protagonista… que con éstas, ya tiene otro cuerpo que enterrar…

Aún están los protagonistas discutiendo a golpes si ese profesor abusó de Fujio de niño o no, cuando los cientos de cadáveres enterrados por allí empiezan a levantarse y a comerse a sus enterradores.

A partir de este momento, en vez de convertirse en una película de infección zombie, la acción se convierte en una estúpida road-movie de dos tontos tontísimos que huyen de los zombies y de sus responsabilidades. Y más cuando rescatando a una chica, Mitsuo es mordido y decide tirarse desde un puente antes de caer en enfermedad (por eso, y por un cáncer que cree que tiene porque casi obligó al doctor a diagnosticárselo)

Ese suicidio, que va contra todas las reglas del género, es la primera ruptura de las leyes de lo previsible; pero a partir de aquí, todo se convierte en una especie de película post-apocalíptica en la que Fujio, años después de los incidentes en el "Fuji Negro", se dedica a probar sus técnicas de combate en un espectáculo de gladiadores contra zombies para viejas ricachonas en una de las ciudades libres de muertos vivientes de Japón…, para mantener a la chica (que desde que la rescataron no deja de llamarle imbécil; con razón, claro) y a la hija de ambos (que, como única persona normal, desde que nació no ha dicho una palabra ante tal espectáculo).

Tenemos así a un luchador decepcionado de la vida que lleva, incapaz de ser vencido, adorando aún a su maestro (en una clara afiliación homoerótica), odiando a muerte a su mujer (afianzando la tendencia homosexual) y a punto de huir a Rusia (que es donde se lucha de verdad, según Mitsuo…). Además tenemos una ciudad llena de pervertidas señoras que disfrutan viendo masacres, un tiránico dueño del circo que acosa (más claro, el agua) a Fujio, y una banda de forajidos a lo Mad Max que quieren asaltar la ciudad (cuyo líder es un adicto al refresco "Calpis", que parece que se podría traducir como "semen")…

Ah, y algún triste zombie que es aplastado en la arena de lucha.

Si a todo eso le sumamos una impostada factura de serie Z (zetísima), una incontrolable misoginia latente en la propuesta, algo bastante común en anteriores trabajos del director (guionista habitual de Miike) pero llevada a extremos absurdos en esta historia de amor (porque sí, lo acaba siendo), y algunos gags incomprensibles para el público occidental (a parte de un humor demasiado japo), ¿qué la hace interesante?

Lo primero la pareja protagonista. Y Asano especialmente. Un papel en el que confirma una vez más que es uno de los mejores actores del momento, un artista capaz de meterse en cualquier papel por bizarro, estúpido e inaccesible que parezca. Su cara durante toda la película es un magistral poema silencioso.

También es interesante el apartado visual. Una colorista fotografía que choca frontalmente con la temática zombie, pero que encaja en la nueva hornada de cine independiente japonés nacido de la generación de la TV. Luz limpia, y clara en la que el horror proviene de lo extraño y de la perversión pop de lo colorista.

Pero lo mejor de todo es el conjunto. Lo estúpido, infumable, increíble y absurdo que es todo. Lo mal que van encajando los diferentes estilos dentro de lo que parece ser una comedia terrorífica, hace de esta película una digna curiosidad cinéfaga. Ver cómo el slapstick mudo se enfrenta a la comedia soez, ver cómo el cine de horror impacta contra el humor surrealista, ver como el cine de autor se ridiculiza en forma de parodia, de comedia anárquica llena de humor negro. Cómo la comedia romántica se mezcla con el gore...

Y todo pasado por un pequeño tamiz naïf, que convierte todo el conjunto en una película capaz de dejarte con los ojos muy abiertos en ocasiones, y con una carcajada cafre en la boca en otros.

Otra rareza para la colección!

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pesadillas para niños grandes

Algunas cosa que he aprendido este fin de semana:

los cerdos, si no vuelan, sólo son cerdos; debajo de mi cama duerme un duende del polvo del tamaño de un totoro; y a veces los juegos de niños se hacen mayores...

Esta linda tonada forma parte de la Edición especial de la Banda Sonora de "Nightmare Before Christmas", que ha aparecido a los 13 años del estreno de la maravillosa película, con el estreno de su versión 3D, y quizá es la nota más curiosa (dejando de banda, por supuesto, las fantásticas composiciones del "fanfarriero" de Danny Elfman)de lo que vamos a encontrar allí dentro.

Puede que hubiera sido más apropiado colgar este post hace un par de semanas, pero la verdad es que no hizo falta. El Sr. Forfy (cual personaje Burtiano) ya se encargó de robar TODO el halloween para presentarlo ante nosotros, niños ansiosos de pasar muuuucho miedo.

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Todavía quedan Héroes...

Quiero apuntar dos estampas que reflejan muy bien cómo está el mundillo del cine en general y, más concretamente, el tema de las adaptaciones cinematográficas de cómics.


La primera imagen es la última secuencia (evidentemente, el siguiente texto contiene spoilers) de "Constantine", adaptación del celebrado personaje creado por Alan Moore, protagonista absoluto del cómic "HellBlazer". Tras vencer al mal ante todo pronóstico, y mostrarnos el final feliz de turno (esto es cine de Hollywood, ¿qué esperaban?), John Constantine (con la cara de Keanu Reeves en vez de Sting), el brujo, el vividor, el alcohólico fumador empedernido…, se redime (!!!)

Para los conocedores del personaje no creo que tenga que contar más. Para el resto, unas breves líneas. El viejo John es un hijoputa. Encantador, pero uno de los mayores malnacidos que hayan dado el mundillo de las novelas gráficas. Conocido por ser capaz de sacrificar las vidas y las almas de los que le rodean para conseguir sus fines cuando no le funcionan otros métodos. Ese es John Constantine.

Insinuada tangencialmente en la película (en bochornosa sumisión a la corrección política), esa dudosa moralidad de nuestro hombre queda como causa de su desgracia actual: no puede ir al Cielo, Satán irá a buscarlo en persona cuando muera para arrastrarlo al Infierno, y tiene un cáncer de pulmón terminal…

…y esa es la única maldad que vemos al Constantine cinematográfico. FUMA!!!!

Bien, dejando de lado fanatismos ciegos, resumir el personaje en esas rápidas pinceladas puede ser simplificar demasiado, pero al menos es efectivo. En el cine, ese "John Constatine light" funciona.

Pero quiero volver a la secuencia de la redención. Los malos muertos, los muertos buenos salvados y los vivos felices. Bien, perfecto… Además acabamos de ver a Peter Stormare como Satán. Trasunto del mal descejado de "Carretera Perdida" Genial!!!! Qué más se puede pedir?!!!!

Pues ver a Keanu redimirse (repito, esto es Hollywood, amigos!!).

Por una carambola más típica del cine de Jean-Pierre Jeunet que del cine de superhéroes, John se cura de ese cáncer, y además está un paso más cerca de que se le permita ir al cielo (bien por Keanu!!). Entonces, en la escena final, abatido por el esfuerzo, orgulloso por el trabajo bien hecho, mirando al horizonte esperanzado y blablabla, John Constantine se echa a la boca un chicle de nicotina.

Así, sin vaselina. John está dejando de fumar por la gracia de Dios…
(Oh!, Aleluya! Corramos a hacer lo mismo!)

Otra imagen.

Pongámonos en situación: Una nueva serie televisiva yankee llamada "Heroes" (si no la han visto, se pueden imaginar de qué va la cosa). A través de una excelente estructura dramática (el formato TV-series da para mucho de eso), de una maravillosa creación de personajes, y de un argumento sencillamente delicioso, nos vemos envueltos en una historia de descubrimientos personales y superación personal, de la mano de un grupo de gente que se va dando cuenta poco a poco de que no son "normales". Un grupo de gente que todo parece indicar que van a convertirse en los Super Héroes más reales de la historia del cine (en absoluta consonancia con "El Protegido" de Shyamalan).

Si bien no está basado en ningún cómic en concreto, la influencia es clara: Títulos formato comic-book, homenajes explícitos a la DC y a la Marvel (y a otras películas que se basan en ellas), incluso hay un personaje que dibuja cómics (y al contrario de lo habitual se le trata como un artista, no como a un mero pintamonas). Y es a este personaje al que quiero hacer referencia.

Pintor atormentado por el amor perdido, los plazos de entrega de la industria, y por el abuso de estupefacientes, Isaac Mendez (dejemos hoy el hecho de que una vez más sea un hispano el drogodependiente) descubre lentamente un poder tan aterrador como maravilloso. Bajo los efectos de la heroína, es capaz de pintar cosas que pasarán en el futuro. Y el resto de personajes necesitan que acabe de pintar ciertos cuadros!!!

He de decir algo más?


Este abismal salto entre conceptos tan dispares de lo que es difundible a través del entretenimiento cinematográfico, ejemplifica muy bien cómo están las cosas en el mundillo. Un (cada vez más pobre de ideas) cine comercial estruja de forma bochornosa excelentes ideas reutilizadas cientos de veces, confiando que las nuevas generaciones de espectadores acepten como buenos refritos infumables, por el mero echo de que no tienen la cultura cinematográfica suficiente para detectar que ya lo habían visto antes. Y además van despojando estas ideas de cualquier atisbo de impurezas, ya sean incorrecciones políticas o ligeras ofensas al buen gusto.

Y es, en cambio, en los formatos serializados donde hay osadía, donde están apareciendo las ideas originales, los buenos conceptos y estructuras novedosas. A través del trabajo de buenos actores, directores de renombre o en proceso de creárselo, y de grandes guionistas, es en estas series donde está el CINE actualmente.

Si bien el concepto "distribución de película de más de dos horas a sala de cine" está en proceso de extinción por méritos propios (altos costes de distribución, miedo a los nuevos medios, incapacidad para atreverse a proyectar un cine menos fácil y menos generalista, altos precios de las entradas, apatía del espectador ante malas salas y pésimos co-espectadores…), será sin lugar a dudas este tipo de producciones para la televisión (la que lleva amenazando sin éxito con acabar con el cine desde su aparición en los tiempos de los Grandes Estudios) la que acabará de apuntillarlo con sus formatos de calidad.

El Rey ha muerto, larga vida al Rey!

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DOA (Dead or Alive): Chicas en bikini jugando a volley (a cámara lenta)

Este simple plano puede resumir toda la cinta.
En un lento travelling lateral, vemos en un segundo plano, desenfocada a una chica ligera de ropa, mojada y en posición de ataque. Llueve. Poco a poco aparece desde la derecha el objeto que estará en primer plano. Un perfecto culo femenino. El travelling continúa hasta que vemos encuadrarse a la figura desenfocada entre el arco (perfecto también) que forman las líneas de las piernas y su escueto bikini. Poco a poco el travelling continúa dejando a la izquierda tan bello marco para cortar rápidamente a un plano general: dos luchadoras, ligeras de ropa y mojadas (llueve) van a empezar un combate de artes marciales en un precioso paisaje paradisíaco.

Esto es DOA (Dead or Alive): un refrito de “Operación Dragón”, “Mortal Kombat” y “Blade” (con escenas robadas sin ninguna vergüenza de las tres películas), convertido en un incesante pase de páginas de un Calendario Pirelli. Cientos de miles de fotogramas usados como excusa para una exhibición impúdica de piel femenina.

¡Bien por Corey Yuen!
Un gran maestro de las artes marciales, experto y curtido coreógrafo de combates, que se ha rendido al plano corto y montaje rápido del actor famoso (no luchador) de turno, destrozando infinidad de escenas de combate. La única escena de lucha interesante de toda la cinta (con luchadores de verdad) se ve constantemente interrumpida por el montaje de un partido de beach-volley… con chicas en bikini… a cámara lenta.

¡Bien por Collin Chou!
Otro gran experto. Otro artista de las artes marciales que llegó a alcanzar prestigio “serio” con su papel de Seraph (el guardian del Oráculo) en Matrix, que se ve embarcado en un apasionante combate final con… Eric Roberts.

¡Bien por Robin Shou!
El tercer mítico de la cinta. Conocido por sus excelentes coreografías y forma física al hacer de Liu Kang en (la ahora añorada) “Mortal Kombat”, que se ve atrapado en un triste papel de secundario cómico, sin lucha que llevarse a la boca, sin más destino que verse apaleado por Jaime Pressly (en una excelente forma, todo hay que decirlo, la única del trío protagonista que aguantaba un combate en planos generales)

En fin. Al menos te alegras un poco la vista.
Si queréis un análisis un poco más detallado, lo podéis hacer en casa del Tete

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El Retorno del Jedi - por David Lynch

EL RETORNO DEL JEDI
PRIMER ESBOZO
por David Lynch

(3-10-1981)

En Negro, Angelo (Badalamenti) hace una versión swing de la Marcha Imperial.

Se abre el fundido y vemos entre sombras un reflejo de cigarro y tras él, el rostro de Luke. La marcha imperial se funde de forma estridente y pasa a ser una música alegre y festiva. Suena el intercomunicador del joven. Despacio lo conecta y escucha entre estática:

-“...ha...sta...idos”

Evidentemente, Luke no entiende nada, pero parece no importarle.

En un pequeño inserto, vemos implosionar los restos de la 2ª Estrella de la Muerte.

Serio, Luke apaga el cigarro, coge su sable laser, su saxo y sale a escena. Entre el variado público podemos ver un palco que llama la atención más que los demás. Allí detectamos a Jabba El Hutt, un Monstruoso Gusano que se ha hecho poderoso a costa de traficar con especias de Arrakis. Tras el monstruo, vemos a Han Solo convertido en estatua.

Luke empieza a tocar una versión enloquecida de la canción de la Cantina de Mos Eisley. Mientras toca, vemos en colores llamativos pequeños flashbacks. Vemos a los tíos de Luke morir abrasados; vemos a Ben Kenobi arrodillado y mutilado, suplicando por su vida ante el malvado Vader; vemos a Han convertirse en estatua; vemos a Vader amputar el brazo de Luke, mientras ríe y le dice que es su puto padre.

Volvemos a ver implosionar la Estrella de la Muerte.

En el momento álgido de su actuación, Luke distingue a Leia (con una perfecta peluca) rubia tontear con Jabba, los celos del joven le llevan a terminar de forma precipitada y enloquecida. Casi de forma inconsciente, con rabia y odio en los ojos, se lanza a la platea en dirección a al gusano. Mutila y destroza a cientos de esbirros deformes de Jabba, salta de forma sobrehumana hacia el palco con el sable en alto… y nos deslumbra un fundido a blanco.

…Luke se despierta en el camastro de una pequeña habitación. Está arropado con la horrenda chaqueta de cuero de serpiente. La mira sorprendido, sale de la habitación y se adentra en un extraño salón de una vieja cabaña. Alrededor una mesa de madera, con varios deliciosos cafés y un par de cajas de pasteles, entrevemos a través de la deslumbrante luz a Leia sin la peluca rubia, y Han sonriendo e invitándolo a ese delicioso liquido de los dioses. Ambos con una inquietante sonrisa en la boca. Luke no acaba de entender lo que ha pasado. Se asoma por el marco de madera de la ventana y vemos con él un frondoso bosque de coníferas. Hasta donde alcanza la vista sólo hay bosque y más bosque.

-“¿Qué ha pasado? ¿Dónde está Chewie?”- pregunta el joven Jedi.
-“¿Te refieres a ese maleducado gran danés que tenías? ¿No lo recuerdas…? Tuviste que sacrificarlo hace dos lunas para poder calentarte con sus tripas cuando te perdiste en el glaciar buscando a Ben… Y vaya por dios que me alegro, maldito chucho apestoso!"

Ambos ríen y le dan otro gran sorbo al café ante la estupefacta mirada de Luke: no recuerda haberlo hecho.

Han se levanta, entra en la habitación y se vuelve a poner su chaqueta de serpiente

-“Esta chaqueta de piel de serpiente simboliza mi individualidad y mi creencia en la libertad personal…, deberías probar la tarta de frambuesa”

Luke les mira desconfiado. Leia roza la mano de Han al coger un trozo de tarta y entrevemos la tensión sexual. También entrevemos los celos del joven.

Volvemos a ver implosionar la Estrella de la Muerte. También vemos arder la cabaña de la montaña y a Vader entrar dentro. (NOTA MENTAL: ¿a que mola? Igual lo pongo marcha atrás y todo…)

-“¿Donde estamos?”, pregunta Luke.
-“En la tercera Luna de Endor…, fue idea tuya, Luke. ¿Qué te está pasando?", dice Leia preocupada.

Luke calla y escucha los planes que él mismo parece haber diseñado tiempo atrás: El Imperio está reconstruyendo la Estrella de la Muerte y piensan arrasar la galaxia. En esa luna de Endor está el control del campo de fuerza que forma el escudo del satélite, si lo destruyen, podrán atacar directamente a la Estrella y destruirla de forma definitiva (NOTA MENTAL: la conversación y la decisión de poner YA en marcha el plan ha de acabar con la versión “sui generis” del star wars main theme de Badalamenti.)

Fundido a negro. Noche cerrada. Cuando se abre distinguimos a duras penas a Leia entrar en la habitación de Han a hurtadillas. Luke está en la sala, oculto entre sombras, rabioso, y lo ve. Luke coge su sable y empieza a acercarse a la puerta cerrada. Cuando apoya su mano libre en el marco brillante por el reflejo del sable, se empieza a escuchar desde dentro música atronadora en alemán. Luke, confundido, se aleja despacio.

Esa misma noche, tras varias pesadillas sobre snaff movies con enanos en habitaciones blanquinegras, Luke sale (despacio también) de su habitación y deja una nota pegada con un imán en la nevera “Hacedlo sin mí, yo debo enfrentar mi propio destino” y sale de la cabaña no sin antes coger un pedazo de esa deliciosa tarta de frambuesa.

Por la mañana Leia lee la nota y presiente que algo malo va a suceder. “Algo malo va a suceder!” le grita a Han y en ese mismo momento, un enano renqueante con una media en la cabeza, con orejas de peluche encima, que baila marcha atrás, (con una lanza en sus manos) entra al asalto por la ventana. Y tras él cientos de enanos con similares características.

Atada y amordazada, no puede hacer más que ver salir a Han de la habitación con su pistola Mauser C96 en la mano, vestido únicamente con su reluciente chaqueta de piel. De la misma forma, los enanos danzarines, tras verle relucir en el viscoso color serpiente, le toman por un dios y acaban por decidir ayudarlos en su tarea antiimperialista. (NOTA MENTAL: igual pongo algún inserto bizarro aquí también, que me da pereza escribir los diálogos marcha atrás)

(NOTA MENTAL: A partir de aquí todo ha de ir endiabladamente rápido. Pedir a Angelo más jazz enloquecido)

Luke usa sus poderes jedi para llegar hasta su padre, el perrito guardián encuerado del malvado emperador. Una vez allí, le intentan arrastrar al lado oscuro explicándoles su historia: Luke en realidad se llama Junior, y fue secuestrado por un par de granjeros paletos del desierto de Tatooine. Que iba a ser el más malo de la galaxia, pero que el secuestro lo ha convertido en el llorón nenaza que es en la actualidad. Además, que sepa que la Estrella de la Muerte funciona a pleno rendimiento, que es todo una trampa y tal.

Mientras vemos el ataque rebelde (más los enanos peludos) a la estación de Endor. Los acondroplásicos de peluche van muriendo como escoria carne de cañón que son…, pero de forma heroica, Han y Leia llegan al transmisor de campo de fuerza y lo destruyen. No sin que muera Han tras volarse la cabeza con su Mauser C96 al tropezar con el cadáver de algún bicho. Leia coge su transmisor y entre sollozos anuncia ”Lider Rojo esperando fase 2… Han ha muerto”

Ajeno a esto, Luke, totalmente fuera de sí, dos pueblos más allá del lado oscuro, convence violentamente a su padre (le arranca el respirador laringeo que tenía desde que le operaron por el cáncer) para derrocar al Emperador Palpatine, que acaba defenestrado por un sumidero de la Estrella. Herido de muerte por la lucha, Vader perdona a su hijo. Tras varios flashbacks en los que vemos la muerte de Ben, el brazo amputado del joven jedi y la quema de sus “tíos”, Luke no acepta su perdón y le remata sin piedad.

En una febril carrera por encontrar un transmisor mientras todo se derrumba por el ataque de los rebeldes (NOTA MENTAL: aquí, marcha imperial desbocada a un volumen infernal), finalmente encuentra un modelo antiguo en la mano muerta de un obrero autónomo muerto en plena reconstrucción. Tras desbloquear la pantalla con el logo del imperio, intenta llamar a Leia para advertirle de que van a disparar la Estrella (no le importa si vive o no, pero aún quiere beneficiársela)…, pero ella comunica. Sin saber a quién, deja un mensaje a las hondas

-“Salid de ahí, estáis jodidos!!!”.

Vemos por fin explosionar la Estrella de la muerte, no sin antes ver un gigantesco último rayo mortal salir de la estación imperial hacia los rebeldes de Endor.

Una gran explosión deja inconsciente a nuestro protagonista y mientras se nubla su vista, nosotros pasamos a ver…

En Negro, Angelo (Badalamenti) hace una versión swing de la Marcha Imperial.
Se abre el fundido y vemos entre sombras un reflejo de cigarro y tras él, el rostro de Luke. La marcha imperial se funde de forma estridente y pasa a ser una música alegre y festiva. Suena el intercomunicador del joven. Despacio lo conecta y escucha entre estática:

-“...ha...sta...idos!!!”

Evidentemente, Luke no entiende, pero parece no importarle.

Fundido a negro.

Música de saxo, calmada. Se abre de negro con un pensativo Luke tumbado en la cama. Le vemos ligeramente diferente. Oímos ruido de agua corriente en el lavabo de la habitación. Luke, despacio, pensativo se levanta. Se viste con calma, se apoya en la puerta de la habitación y mira hacia el lavabo. Tras un par de segundos, coge del perchero fuera de campo su vieja chaqueta de piel de serpiente, sonríe y sale por la puerta.

Leia sale del baño secándose con una toalla. En ese momento, suena su móvil. Coge deprisa la llamada mientras observa la cama fuera de campo.

-“¿Si?”
-"Lider Rojo esperando fase 2… Han ha muerto” Dice una voz llorosa.

Leia mira el número en la pantalla de su móvil: “Unknown”. Se extraña un momento, pero al segundo sonríe y empieza a hablar.

-“¿Te lo puedes creer?, “Han ha muerto” jejejeje… ¿Quién diablos sería?”

Mientras tanto, se acerca a la cama y finalmente la vemos acariciar el flequillo de un apaciblemente dormido Han Solo.

Versión de Bowie de la Fanfarria "Star Wars Main Theme" mientras la cámara sale por la ventana, se lanza edificio abajo y empezamos a seguir a Luke mientras se monta en un Cadillac rojo descapotable y sale a toda velocidad de la ciudad…

TITULOS DE CRÉDITO…

(NOTA MENTAL: es un poco osado, pero creo que el embrollo sexual le acabará gustando a George (Lucas))

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NOTA: Esto no hubiera sido posible sin la enorme idea de Noel y Eki

Brigadoon 11: “Renversé” (1998)

Un enorme impacto desde el primer momento. Ese es el efecto que busca desde su fotograma inicial una de las películas más extrañamente atractivas de las que han pasado por mis manos últimamente. Ejemplificarlo es bastante sencillo:

Uno de los primeros planos es el de los dientes del alcohólico Adrien, cayendo al fregadero de uno en uno, envueltos en un curioso charco de sangre. De aquí en adelante los espectadores pueden descartar cualquier duda de que están inmersos en un demencial viaje gratuito, subidos en una montaña rusa, dentro de una pista de autos de choque. De todas formas, es tal el bombardeo de escenas de violencia, drogas, desnudos y depravación en general, que pronto el espectador se vuelve absolutamente inmune a sus efectos perturbadores.

El padre de Claudia ha muerto y ella ha acabado heredado un casa en el campo. Adrien, su marido, en un último intento desesperado de salvar su relación, la convence de pasar unos días allí antes de venderla, e invitar a sus amigos de toda la vida. Pero no saben que la cosa puede llegar a complicarse mucho. En todos los aspectos.

El argumento de “Renversé” se centra en la hedonista experiencia de ese grupo de desorientados jóvenes franceses, y varios amigos americanos que se les acaban uniendo por una serie de malos entendidos. La misión de los extranjeros es clara: proporcionarles un fin de semana perfecto de drogas y sexo. Las subtramas que se mezclan con la historia principal incluyen a una pareja con una niña pequeña a punto de separarse por un trágico aborto reciente, a un futuro psicópata pederasta enamorado de la mujer de su amigo, y a un yonqui epiléptico perdido entre mundos imaginarios y fragmentos de películas. Todos ellos amigos que no se habían visto desde la Universidad, que ya apenas se conocen, y que preferirían no haberse conocido. Unos amigos que empiezan unidos por viejos recuerdos, pero que las tensiones y problemas que estaban ligeramente ocultos acaban aflorando (además, claro está, de una serie de desquiciadas situaciones causadas por el abuso, la locura y la maldad más absoluta).

A partir de este momento somos testigos de un delirio onírico con terroríficas muñecas de porcelana, hiperviolencia física, y escenas de sexo bastante explícito, entremezcladas con surrealistas momentos puntales de extrema quietud. Es en estos últimos donde se entrevén las influencias (si no plagios casi textuales) del director. Si analizamos un poco podemos descubrir las elipsis escénicas y cierta iconografía Lynchiana, pequeños retazos del “cine yonqui” británico (con “Trainspotting” a la cabeza), así como vemos que comparte trazos argumentales con la británica (e igualmente desquiciada) “Dead Babies”. Destaca en ese sentido el nada velado homenaje que realiza el director francés a la también ópera prima de Jaume Balagueró “Los Sin Nombre”. En uno de los momentos de más tensión, el director se toma la licencia de incluir una escena de la película del catalán, en un juego bastante extraño entre las Claudias de ambas películas.

Pero lo más curioso de esa escena, es que la película de Balagueró se estrenó en España en 1999, poco después del estreno de la película francesa en su país de origen. ¿Aparecía dicha toma en el guión original?, y de todas formas, ¿cómo es posible que se vieran imágenes de una película antes de su estreno?: ¿retrasos en las distribuidoras españolas?, ¿relación del francés con Filmax, o con Balagueró…? Opto más a que las fechas de imdb estén equivocadas, pero esta fantasmagoría queda ya para la leyenda.

En definitiva, siendo una película bastante mediocre, destaca pues en ese juego del espectador cinéfilo con ganas de ser provocado. La baza del yonqui experto en cine, y la pericia del director para jugar con los significados profundos de las más extrañas referencias, la convierte en una delicatessen con un cortante doble filo: Si entramos en el juego, nos dejamos llevar por la perversa diversión que nos propone y aceptamos el reto intelectual, nos encontramos delante de una pequeña bazofia de culto. Si nos asentamos en las bases de lo real, y permanecemos seguros desde el punto de vista del espectador versado en cientos de batallas de insufribles directores noveles pretenciosos, probablemente nos encontremos ante otro de los manidos y estúpidos thrillers con tintes sobrenaturales con los que nos inundaron a finales de los 90’s. Pasado de vueltas, eso sí.

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Dificultades técnicas (aka "te odio blogger")

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Lamento si vd. se ha levantado esta noche, insomne y con ganas de entretenimiento inteligente, sutil, discreto (a la par que sencillo), y tras decidir que no lo encontraría en la absurda TV, ha pensado en esta página.

"Quizá el sr. Yume haya actualizado..." podría haber pensado mientras se dirigía hacia su ordenador (encendido y atareado en pesadas tareas de consecución de copias de seguridad de sus películas favoritas).
Y entonces: "HORROR, ¿qué demonios es esto?" -puede haber exclamado despertando al gato que posiblemente haya corrido lejos de vd.- "¿esta cosa tan horrible, sin orden ni concierto, sin estilo, ni pies ni cabeza, es "Tierras de Cinefagia"?

Pues sí. Lo lamento profundamente.

Aceptaré todo el deshonor de ese desastre temporal (ahora felizmente arreglado), pero en absoluto aceptaré la culpa de que el sr. Blogger haya añadido (váyase vd. a imaginar por orden de qué entidad cibernética, ya que dangermind está de mi parte, jejeje) sin piedad miles de lineas de código basura tanto en mi plantilla como en el artículo del índice de Sitges

Me encantaría decir que no volverá a pasar, pero me deshonra decir que NO puedo.

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Festival Internacional de Cinema de Catalunya 2006: Índice

_____Intro
39 Festival Internacional de Cinema de Catalunya

_____Crónicas
"Apuntes desde Sitges I"
"Apuntes desde Sitges II"
"Apuntes desde Sitges III"
"Sitges 06: Finale"

_____Reseñas
"Princess"
"The Host"

_____Palmarés
Palmarés Completo Sitges 06

_____Links
Sincrónicas de Sitges 2006: Guía de Posteos: Absence
Sitges: Año 3: Forfy
Lo que se vió en Sitges 06: Dani Lebowski
Sitges 2006: freddyvoorhees
Menú / 1ª caída / 2ª Caída / 3ª Caída I y II: Higronauta

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Sitges 2006: Princess

Todo empieza con un cortometraje. “Araki, The Killing of a Japanese Photographer”. Con él, Ander Morgenthaler se gradúa de la Escuela de Cine Danesa y empieza a ser reconocido y a ganar premios de la crítica tanto en Berlín como en Cannes de 2003. En una efectiva mezcla de imagen real y animación, “Araki...” nos lleva a la hiperviolenta venganza de un siniestro tipo que quiere acabar con el fotógrafo japonés que introdujo a su hermana en la industria del S&M y el bondage. Ella ha muerto, y el hermano se ha de encargar de su sobrina de pocos años, a la vez que lleva a cabo su plan: acabar con la industria porno japonesa y con todos sus consumidores.

Con un estilo de dibujo muy personal de lineas simples y colores planos, en sintonía con la animación oriental a la que hacer referencia, mezclados con imágenes reales de video casero, somos testigos de una sombría y descarnada masacre, no desprovista del humor salvaje del cartoon americano, en la que rápidamente se ve envuelta también la pequeña niña, siendo testigo y parte de esa espiral de muertes. Finalmente, Morgenthaler, se da el gusto de preparar un inesperado giro ético final, que si bien no desentona en la historia, sí que enerva por el tono cómico del metraje anterior. Baste decir que se oyeron silvidos en el Auditori de Sitges ante tan frustrante ending...

Tres años después, con la idea más madurada, y con bastante más experiencia en el mundo de la animación, el director recurre a la misma historia para llevar a cabo “Princess”, largo que extrae las mejores ideas del cortometraje y lleva a cabo un análisis más certero y profundo de las relaciones apuntadas en la versión corta.

August, un cura de mediana edad que se ha pasado los últimos años en las misiones, vuelve a casa a causa de la muerte de su hermana Christina, superestrella del porno en decadencia cuyo nombre artístico era “Princesa”, muerta de sobredosis. Ella había dejado a Mia, su hija de 5 años, criándose con Karen prostituta dueña de un burdel. Por eso, August decide llevarse a su casa a la pequeña y convertirse en su guardián. Acosado por la pena y la culpa, decide vengar la muerte de Christina y se embarca con Mia en una cruzada para limpiar el nombre de su hermana de connotaciones pornográficas. Poco a poco, su misión empieza a convertirse en una carrera violenta y brutal mientras August intenta desesperadamente proteger la única cosa a la que tiene cariño, Mia.

Mia, criada en ese burdel, y amamantada por la industria del porno, choca frontalmente en su brutal inocencia contra su nueva vida y contra August, que hará todo lo posible por alejarla de ese mundo y del pasado de su madre, representado por todas esas revistas y películas (que la niña ve como normales) y por todas las cintas de video casero que August rodaba cuando era adolescente, y que son el testigo objetivo de la ascensión y caída de “Princesa”. Pero lo que parece no intuir es que en ese proceso de socialización de la niña, acaba arrastrándola a una degradación aún mayor al convertirla en parte de la escalada de violencia. Se acabaron los abusos sexuales y la vida dolor y drogas a la que estaba acostumbrada, pero se ve inmersa en más dolor, locura, sangre y mentiras que nunca

Con el mismo concepto de imagen que el cortometraje, Morgenthaler mezcla imagen real entre el resto de animación, rodando con cámara doméstica las escenas pornográficas y las de la joven Christina, a modo de flashback con el que Mia acaba de completar la terrible historia de miseria moral de su madre. Todo ello en un entorno de animación orientalizada pero mucho más adulta que la apenas esbozada en el corto. Perspectivas radicales, colores planos pero muy bien iluminados, y una animación sencilla en la que cuesta entrar en un principio por su realismo crudo, pero que acaba agarrándote de las tripas por su dureza y emotividad. Un estilo visual valiente para una película de profunda temática adulta y con un declarado interés crítico hacia la industria pornográfica.

Queda clara, entonces, la postura del director en relación a la pornografía, pero creo que igualmente queda expresa su posición respecto a la violencia sin sentido. A pesar de que veamos a August como un hombre justo con métodos demasiado expeditivos y algo fascistas, él es el héroe de la película. No pide nada que no sea respeto hacia su hermana, aunque lo haga de la manera equivocada. En este sentido, no pasaría de ser una película al más puro estilo “Charles Bronson” (como he leído por ahí). Pero en el momento en que la niña, el verdadero personaje inocente aunque nos haga ruborizar la mayoría de las veces que habla, se convierte en fuente y objetivo de esa violencia, queda claro que a nivel de guión se está equilibrando el peso de la amoralidad en las dos vertientes: tan obscena es la industria del cine X, como la violencia desatada y sin sentido.

Globalmente, cabe decir, que las tintas críticas se han cargado de forma explícita hacia el cine para adultos, y en cambio lo violento se cubre algunas veces por el matiz de lo cómico. Aunque para ser sincero, la crudeza de algunas de las escenas te deja exhausto por su planteamiento moral, no por su agresividad (de la que estamos siendo desensibilizados por los estilos exhibicionistas de los noticiarios, más que por el cine como apuntan algunos...)

En definitiva, nos encontramos con una de las películas de animación más interesantes de las que se pueden ver actualmente. Animación para adultos sin cohartadas argumentales infantiles y sin cortapisas de ningún tipo. Valiente, brillante, emocionante, dura y terriblemente triste. Capaz de abrir debates éticos, a la vez que ser abrumadoramente disfrutable a nivel visual.

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Sitges 2006 (Finale)

Agotado pero feliz retomo la vida diaria de esta página. Si hace poco más de una semana empezaba el Festival de Sitges, ahora, echando la vista atrás, puedo decir que ha sido sin duda alguna el mejor año de todos en los que he estado.

Básicamente porque casi me trasladé a vivir a Sitges aquellos días, y así dejé de preocuparme por las subidas y bajadas a Barcelona, algo importantísimo si quieres aprovechar las sesiones matinales y nocturnas. Y así fue.

Tras muchísimos malabarismos, algún que otro trapicheo y muchas carreras arriba y abajo (a día de hoy aún tengo ampollas en los pies), conseguí ver mucho de lo que quería (unas 30 películas en 6 días) y alguna que otra grata sorpresa.

Estábamos en el Festival de Lynch: se esperaba su presencia y muchas cosas más. La disconformidad con las tres horas del montaje final que surgió del pase de “Inland Empire” en Venecia, acabaron con todo ello, y de lo organizado sólo quedó el cartel (homenaje a los 20 años de “Blue Velvet”) y un maratón de películas (al que no fui capaz de ir…). Pero en cambio sí ha sido el festival con más masificación de películas, imposibles de abarcar tanto por público como por prensa, aunque este último punto tiene tantos beneficios como inconvenientes. Se exhibieron tantas películas que era imposible no encontrar entre ellas joyas como “Princess”, “Tzameti”, “The Host”, “Borat” o la incuestionable “Children of Men”, pero no podía más que maldecirme por no haber conseguido ver otras como "El Laberinto del Fauno", “Requiem”, “Exiled”, “Paprika”, o “Brick”, grandes triunfadoras del certamen (si no en el palmarés, sí entre el público y la crítica no profesional, ya que a partir de hoy, y por varias experiencias "en" y “antes de” el festival, dejo de creer en “los críticos”).

Cómo no, también hubo grandes fracasos y decepciones.
Muy Grandes.
No podré olvidar esa sesión matinal de “The Wicker Man”, horrible historia que no se merecía ningún respeto, tal y como demostraba un parlanchín Jesús Palacios. Cosa que no quería decir que yo no lo mereciera… (por favor, Jesús, guarda tu sapiencia para la Fotogramas, en la sala mantente calladito, majo). Una película tan decepcionante, que hubiera apostado un meñique a que iba a ser la peor del certamen. Pero me equivoqué. Unas horas más tarde, tras veinte minutos de metraje, ya pude comprobar que lo infumable y Luna siempre van de la mano. “Moscow Zero”, la peor película de Sitges 06 con diferencia. Eso sí, gracias a tan desafortunado accidente, pude conocer a gente cojonuda entre los que había uno del equipo técnico de la película. Impagable la nochecita que nos pasamos a costa de sus anécdotas. Repito: Si algún día se estrena semejante bodrio, colgaré en esta misma web todo lo que nos contó…

Impagable fueron también nuestras maratonianas jornadas fuera de las salas. Horas y horas hablando de cine y más cine, comiendo, tomando cafés y copas, entre película y película, durante merecidos descansos, en carreras hacia alguna sala en la otra punta de Sitges, en las colas para ver más películas…

Conversaciones siempre interrumpidas por esos famosos que hacían aparición en el momento menos esperado:

ese esquivo Paul Verhoven que huyó corriendo de mí en cuanto le apunté con mi cámara,

ese Terri Gilliam, que venía a bordo de una de sus espantosas camisas de colorines…

Ese Neil Labute friki chandalero de los de enseñar la raja del culo y pelo churretoso, al más puro nivel mimético con su horrenda película.

En profunda contraposición con su vecino de entrevista en el jardín del Melià Sitges, un Kiyoshi Kurosawa tan pulcro y aséptico como sus acompañantes niponas, poniendo todos cara de circunstancias al verse rodeados por el gentío del bar del hotel.

Más cercanos al público se encontraba el equipo técnico de “The Ungodly”:

Thomas Dunn, durante el estreno en el incómodo Retiro se mostró encantado del recibimiento que le dio el público, aunque no sé si esperaba tantas risas en ese final tan intenso.

Y Wes Bentley (el chico que rodaba bolsas en “American Beauty” y ahora rueda asesinatos) incluso paró a una horda de groupies para que yo pudiera hacerle una foto como dios manda… Así como quedé impresionado al cruzarme por el paseo con Mark Borkowski, el realista psicho de la peli. En uno de esos momentos “¿…era él?”


Por lo demás, ha sido como siempre pero a lo bestia:

Una exposición que supera con creces las de los últimos ¿5?, ¿6 años? Desde la de Aardman no recordaba tanto buen material. En este caso sobre las películas de Guillermo del Toro. Desde trajes, fotos y utensilios de “El Laberinto del Fauno”, muñecos y atrezzo de “El Espinazo del Diablo” pasando por material de “Hellboy” (sin duda las tres mejores obras del mexicano).

También hemos vivido los habituales y recurrentes errores de proyección. Subtítulos que desaparecen, que quedan cortados fuera de pantalla, etc. Lo mejor fue en la sesión de “Homecoming”, que se arregló en directo (eran visibles los menús del proyector, y el proyeccionista iba ajustando con ayuda del público), y finalmente se hizo un rebobinado par empezar el capítulo de Masters of Horror desde el principio (entre risas y aplausos del público, claro)

En definitiva, ha sido muy divertido y muy cansado, pero ha merecido mucho la pena. Si no por el empacho de cine, al menos lo ha sido por la cantidad de gente que he conocido y que ha compartido todas esas horas conmigo.

Debo agradecer por todos esos ratos a Mercè, artífice principal de la mayor de las locuras, y también a MadMax y Marc Jardí por esa tarde/noche en la que les “obligué” a ver “Moscow Zero”. Pero también a la peña de la VideoArena, una panda tan cojonuda y tan extensa que puedes hablar con ellos de cualquier cosa… siempre hay alguno que es experto en el tema. Nuestros repetidos encuentros demostraron que “dios los cría y el viento los amontona”. Siempre tendréis en esta casa un huequecito para calentaros en la chimenea en esos días de frío y lluvia (un saludo Vaugan, ¿ya mejor? ;-)). Y por supuesto a Forfy de Mad World, el tío mas entusiasta y abierto que he conocido en mucho tiempo. Y como no, Dani Lebowski de Un Día de Furia, con el que tengo una deuda pendiente (a ver si me centro y veo tu corto). Queda claro que cuando vayamos para Madrid, lo primero será ver si podemos tener un meeting esta vez en vuestro terreno. ¡Un saludo muy grande! Por otro lado, las prisas me impidieron tener una conversación más calmada con Francisco Calvelo, cabecilla de “Black Maria” con interesantes cortos a sus espaldas, pero desde aquí le agradezco ese ratito, le compadezco por lo de “Moscow Zero” y recuerdo que tiene nuestras puertas abiertas para cualquier tipo de promoción.

Y ya está por este año.
Espero que el que viene sea al menos como este o incluso mejor. En 2007 se celebrará los 25 años de “Blade Runner”, y se espera que se haga un especial en este sentido… Ya se han oído bromas sobre la confirmación prematura de la presencia de Scott (espero que sea algo más fiable que la presencia de Lynch este año, jejejeje).

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Desde Sitges... (III)

Y en principio es el último post rápido desde el Festival de este año. Me queda aún un maratón (al que no sé si sobreviviré, pero al menos lo intentaré):

JUEVES 12

"Tachigui: The Amazing Lives of the Fast Food Grifters"

2006, Mamoru Oshii.
Falso Documental de animación 2D/3D sobre los timadores de restaurantes de comida rápida de Tokyo desde la posguerra hasta nuestros días. Hasta la fecha, la locura más grande que le he visto a Oshii. Interesante si tienes paciencia y (mucho) sentido del humor para conocer de forma diferente la historia recienrte de Japón

"The Ungodly"

2006, Thomas Dunn.

Nueva visión de un enfermizo estudio de la mente del asesino de mujeres. Un realizador de documentales chantajea a un asesino en serie para hacer la película de su vida. Tensión, risas nerviosas ("Prison Break style") y un director presente en la sala advirtiéndonos que era su primer y precipitado corte. Entretenida e interesante.

"The Fountain"

2006, Darren Aronofsky.
Apabullante película sobre el amor más allá de los tiempos y los espacios. Demostración clara que Lobezno puede ser un buen actor, que Aronofsky puede ser muy pretencioso y que yo no estoy hecho para el "New Age". Una película atrevida y preciosa, pero...

VIERNES 13

"The Wicker Man"

2006, Neil Labute.

Hasta Badalamenti en MEDIOCRE en esta película. Mal, muy mal.

"Children of Men"

2006, Alfonso Cuarón.

Una de las mejores de este año. Intensa, cruel, hermosa, emocionante. Podría haber sido la justa ganadora. Futuro Distópico de los que dan miedo por certeros y posibles.

"Araki"+ "Princess"

2006, Anders Morgenthaler.

Drama violento sobre infancias truncadas, prostitución y venganzas, en una sencilla pero efectiva animación. Muy interesante, aunque cuesta de entrar por lo crudo del tema. Me siguen sobrando los finales "New Age"... ¿me estaré quedando anticuado?

"Moscow Zero"

2006, Luna.

ESPANTOSA, ridícula... seguiría, pero estuve toda la noche de charla con uno de los miembros del equipo técnico. Por respeto a todos aquellos que curraron como campeones, sólo para que la petarda de la directora y su marido lo mandaran todo a la mierda, me quedaré con esos dos calificativos. Si se llega a estrenar comercialmente algún día, contaré aquí todas las barbaridades que me explicaron esa noche.

SÁBADO 14

"The Illusionist"

2006, Neil Burger

Entretenida historia sobre el verdadero significado de la magia entremezclado con una historia de amor imposible. En tiempos de maravillas digitales pierden encanto unas escenas que hubieran fascinado al público si se hubieran creado más artesanalmente.

"Borat"

2006, Larry Charles.

ALUCINANTEMENTE DIVERTIDA. La película (falso documental también) más cachonda de este festival. Los U.S. (y A.) más reales y cruelmente divertidos de los que se pueden ver en el cine reciente vistos por un "periodista" kazajo. BRUTAL!!! Una hora y media sin parar de reír.

"Perhaps Love"

2005, Peter Ho-Sun Chan
Historia de amor imposible (otra) en el ya visto juego metalingüístico de actores rodando una película musical. Una mejor historia que "Moulin Rouge!", pero de planteamientos bastante similares. Muy curioso, resulta ver a Takeshi Kaneshiro cantando y bailando en circenses coreografías.

Y esta noche, si no he fallecido por el camino... un maratón Orient Express...

Nos leemos!!

POR CIERTO!, un saludo muy grande a la tropa de las VideoArenas (esas cervezas ya se han saldado, nos volveremos a ver), a Forfy y a Dani Lebowski (que el viaje de vuelta os vaya de puta madre, nos seguiremos leyendo) y al Sr. Francisco Calvelo (que casi no le dejo comer tranquilo... le seguiremos espiando). Un abrazo fuerte a todos que me lo he pasado de puta madre!!!

A Terri Gilliam, Kiyoshi Kurosawa y Paul Verhoeven no les saludo, por distantes y famosos...

Y a tí Neil Labute, ni agua! eres un penoso!

Saludos,

Yume.

ACTUALIZADO
Haber dormido tres horas la noche antes y visto una decena de películas, no es algo compatible con un maratón de cine oriental a la una de la mañana. Y menos después de una semana de locura festivalera. Resultado: "Re-Cycle" acabó conmigo y no pude continuar disfrutando de "Election 2" (3:ooh), ni "Tokyo Zombie" (5:00h), ni "Executive Koala" (6:45h). Pero queda como deuda pendiente urgente. Pronto lo tendré solucionado...

"Re-Cycle"

2006, Hermanos Pang.
No podía creerlo, mi tercer final "New Age" en tres días!!! y además en una de las películas más vistosas e interesantes que han llegado del cine oriental en mucho tiempo. Pero los putos hermanos Pang parece que tengan que demostrar, una vez más, que son de una secta de radicales religiosos. Un festín delicioso para la vista, con muchísimas buenas ideas pero una cagada monumental como desenlace. Imaginad que los Pang realizan su propio Silent Hill... pues eso es "Re-Cycle". Pero coño, no necesitaba que me intentaran vender un mensaje [spoiler]pro-life [/spoiler] camuflado bajo una historia de fantasmas...

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